Art Centralは2026年、中環海濱活動空間（Central Harbourfront Event Space、香港・中環）で開幕、現代美術の祭典である。
第十一回を迎えたArt Centralは本日、香港・中環の海辺会場で開幕した。世界各地から100を超える画廊が出展し、大型インスタレーションやインタラクティブ作品が並ぶ国際的な現代美術の見本市である。本稿はZTYLEZが会場の見どころを整理し、観覧の手引きを提供する。
1. 侯嘉琪《折迴 0.01》（2026）
位置：P1
藝術中環は香港の新進メディア作家、侯嘉琪に委嘱し、大型インスタレーション作品《折迴 0.01》を2026年の会期のために制作した。本作はデジタルな身体感覚と感情、テクノロジーの交差を探るもので、強迫的な自己調整を即時演算による映像彫刻へと翻訳する。
動作捕捉と再帰的フィードバックシステムを組み合わせ、精神症状を測定可能な反復や解離のリズムへと変換する。作品は「遞迴」の論理と「折返」のイメージを併置し、構成美学のなかで身体の主体性を再構築することで、内的な「侵入者」を生成的な動きと映像語彙に転換する。機構は低ポリゴンの身体を折り畳み、再構築する過程を機械的打撃とともに可視化し、解離的防衛機制を物理化する。リプレイは単なる循環ではなく差異を生む反復であり、継続的な偏移と変化のなかで新たな生成の可能性を提示する。来場者は会場で座り、折り畳まれた感情を静かに受け止めることができる。
2. SIDE CORE
《a temporary state: tokyo》《a temporary state: tokyo(walking spray)》（2026）
位置：C10｜wamono art
Central Stageは2026年に初めて設置された特設枠で、国際的な展覧会やビエンナーレ、大規模な企画に関わる可能性の高い作家を紹介する。2012年に東京で結成されたアートユニットSIDE COREは、高須咲恵、松下徹、西広太志、映像監督の播本和宜らで構成され、公共空間への介入とストリート文化の美学を軸に制作を行っている。
これまで弘前れんが倉庫美術館や横浜トリエンナーレでの発表歴があり、金沢21世紀美術館の大型展示テーマにも関与した経験を持つ。本展では黄色を基調とした大判の絵画二点を出展し、街路や警告サインを想起させる視覚語法で都市とコミュニティにおける情報流通を問いかける。
3. OrangeTerry
《信仰現成》（2026）
位置：P2｜Square Street Gallery
香港のアーティストでありインダストリアルデザイナーであるOrangeTerryは、ポスト工業デザイン、レディメイド、残材を創作の核として、日常家具を彫刻的インスタレーションへと転化する。2026年の新作《信仰現成》は友人から贈られた長椅子を基礎に、機能と彫刻の境界に位置する大型作品として制作された。作者は元来の宗教的儀礼としての機能を意図的に解体し、自己省察を促す空間へと転換している。
作品は「無用性」を演出することで反省の場を開き、観覧者に物品の背後にある社会的および感情的な意味を再検討させる。不確実な時代文脈において、信仰や価値、人生の方向性を問い直す契機を提供する作品である。
4. Elnaz Javani
《The Fate》（2024年より）
位置：P3｜RARARES Gallery
《The Fate》は継続的に発展するインスタレーションシリーズであり、現在は12点の可変サイズ作品から成るが、本展ではそのうち6点が展示されている。Elnaz Javaniは中古の男性用コートを素材に取り、ペルシア語およびアゼルバイジャン語の書法を手縫いで施すなど手作業を重ねる。
裁断、再構成、コラージュやアップリケなどの工程を経て作品は精緻な手仕事の質感と経年の摩耗を同時に残す。古着の変容を通じて、作家は離散、亡命、移動にまつわる記憶と感情を喚起し、個人的な体験をより広い集合的歴史へと織り込んでいる。
5. 黃毓茗
《Sunken Echoes》
位置：P6｜Yiwei Gallery
黃毓茗は黒い生牛皮で山形の構造を構築し、半透明の貝殻や浮遊する有機的な容器、堆積の痕跡を組み合わせて引力と斥力が織りなす動的な空間を生み出す。東洋の「勢」の概念に触発された本作は、形態が生む牽引と傾向を可視化し、観覧者の空間内での移動と感受性を導く。
加速し変化する時代において、「勢」は感知の方法へと転換される。訪れる者は自己の調律を通じて位置を識別し、観点を調整しながら前進の方向性を思索することを促される。
6. CHUNKOOK LEE、MATHIAS MASARATI、TATIANA CHURSINA、USTINA YAKOVLEVA
位置：A18｜RARARES Gallery
ドバイのRARARES Galleryが共同企画した企画展「Body Is The Foreign Place」は、Marina BaiselとArt Curatorial Nomadsが共同でキュレーションし、異なる文化的背景を持つ五名の作家を紹介する。中央のテーマは「身体」であり、内的他者性と流動する場としての身体を軸に展開される。
刺繍、彫刻、絵画を通して、移民体験、テクノロジーの進展、グローバル化がもたらすアイデンティティの変容と疎外を探る。身体は記憶と歴史を宿す器として扱われ、帰属と漂流のあいだで絶えず変容する現代個人の不安定さを映し出す。
7. Moe Nakamura
位置：A19｜Gallery Tsubaki
中村萌（Moe Nakamura）は1988年東京都生まれの日本人彫刻家である。温かみのある木彫作品で知られ、アジアの美術界で注目される若手作家の一人である。作品はオークション市場やコレクターのあいだでも人気が高い。
代表的なシリーズには「独り暗闇にて」（Alone in the Dark）、「青の安らぎ」（Blue Cozy）、「富士山」（Mt. Fuji）、広く愛される「角の生える」キャラクターなどがある。素朴な木の刻みや木目を残したテクスチャーにより温かな質感を保ち、無邪気な外観や幼さを帯びた子どもや神秘的な生き物を描き、星や雲、樹木といった自然要素を織り交ぜた純真で癒しのある表現を展開する。
8. Jive Lau、Michal Skapa
位置：B20｜The Chemistry Gallery
本展示ではチェコ出身のストリートアーティストMichal Škapaと香港のネオンアーティストJive Lauの作品を紹介する。Michal Škapaはストリートのグラフィティ出身で、現在はギャラリー領域でも活動している。作品は文字表現、抽象、データ的なカオス美学を融合し、ストリートと現代美術のクロスオーバーを行う。
近年は線の重なり、リズム、グリッチ的な美学、光と影の効果を強調する方向へとスタイルを移しており、視認性は変化したが感情的な緊張感を増している。
9. Irene Febry & Ni Luh Pangestu
位置：A14h｜Puri Art Gallery
Puri Art Galleryの企画「Rising Currents」はインドネシアの国際芸術普及プログラムの一環であり、Irene FebryとNi Luh Pangestuの二名による展示を通じて生態学的、心理的、社会政治的な課題を提示する。
Irene Febryはコラージュを用いて想像上の地形を構築し、土地と記憶を反芻する。彼女の「森から野へ」のシリーズでは紙片や有機素材を組み合わせ複雑な地勢を作り出し、土地が占有され変容し記憶される過程を表現する。Ni Luh Pangestuは版画で権力と真実の操作を風刺し、欠落した身体や増殖する口といった図像を通じて偽情報がもたらす心理的負荷とその社会的常態化の影響を露わにする。
10. Lee Jisun
位置：D29｜Hidden M Gallery
Hidden M Galleryは本展で二名の韓国人作家を紹介しており、そのうちLee Jisunは越境的なメディアによる物語性と感覚記憶の繊細なとらえ方を特徴とする。制作の主題は「時間、記憶、忘却、家」であり、幼少期の記憶や自然体験を起点に絵画、映像、インスタレーションを横断する表現を行っている。
潜在意識にある純真な世界を回顧することで、夜の森のような内的風景を構築する。作中に登場する星の収集者、夜の島、森の小屋は、画布上での秘密の儀式のように記憶と想像と現在の自己を交錯させる。アクリルや油粉彩を用いて柔らかで詩的な情景を描き、時間と成長、自己対話への凝視を提示する作品群である。
